Задумывались ли вы когда-нибудь о разнице между классическим и современным искусством? Или задавались вопросом, есть ли разница между ними? Ну, во-первых, эти два термина не взаимозаменяемы. Существует разница, и она основана на грубых диапазонах дат, установленных историками искусства, искусствоведами, кураторами, художественными учреждениями и т. д., которые признали явный сдвиг, который произошел, ознаменовав конец модернизма и начало современной эпохи. Современное искусство-это то, что было создано где-то между 1860-ми годами (некоторые говорят, что 1880-е) и концом 1960-х годов (некоторые говорят, что только до 1950-х). Искусства в дальнейшем (например, концептуальные, минимализма, постмодернизма, феминизма) является современной.
Помимо временных рамок, существуют концептуальные и эстетические различия между двумя этапами. Искусство называлось “современным” потому, что оно не строилось на том, что было до него, не опиралось на учения художественных академий. Многие искусствоведы, в частности художественный критик Клемент Гринберг, считают Эдуарда Мане первым современным художником не только потому, что он изображал сцены современной жизни, но и потому, что он порвал с традицией, когда он не пытался имитировать реальный мир с помощью перспективных трюков. Он, вместо этого, обратил внимание на то, что его произведение искусства было просто краска на плоском холсте, и что это было сделано с помощью кисти, кисть, которая иногда оставляла свой след на поверхности композиции. Хотя это шокировало зрителей и критиков, это вдохновило его сверстников и следующие несколько поколений художников, каждый из которых, будь то абстрактные работы или репрезентативные, экспериментировал с тем, как привлечь больше внимания к своей среде (подумайте почти столетие спустя о Марке Ротко). Современное искусство включает в себя множество направлений: импрессионизм, кубизм, сюрреализм и абстрактный экспрессионизм.
Современное искусство означает искусство момента, но определение его вне этого и его открытого диапазона дат является сложной задачей, так как само понятие определения искусства стало личным поиском в руках каждого художника, что привело к постоянно расширяющимся возможностям. Ключевое различие между современным и современным искусством заключалось в смещении акцента с эстетической красоты на основополагающую концепцию произведения (концептуальное искусство и перформанс-хорошие примеры). Конечный результат произведения современного искусства стал менее важным, чем процесс, посредством которого художник прибыл туда, процесс, который теперь иногда требовал участия со стороны аудитории. Итак, в следующий раз, когда вы будете на коктейльной вечеринке, и кто-то начнет говорить о современном искусстве, вы узнаете, что не нужно трубить о своей любимой скульптуре Джеффа Кунса.
ОТ ПЕРВОБЫТНЫХ ТАНЦЕВ ДО ДЖЕФФА КУНСА: ЧТО ОТЛИЧАЕТ СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО ОТ КЛАССИЧЕСКОГО?
До сих пор не знаете, чем отличается искусство Возрождения от искусства Просвещения? Постоянно забываете об особенностях modern art и contemporary art? Мы создали для вас краткий путеводитель по истории искусства — от наскальной живописи до современного искусства.
Казалось бы, каждый видит явное отличие современного искусства от искусства прошлых столетий. Зачастую современное искусство обвиняют в отсутствии эстетизма, художников сегодняшнего времени — в непрофессионализме, а сферу культуры в целом представляют как находящуюся в кризисном положении. Но так ли это? Может быть, это очередная фаза эволюции в творчестве и интерпретации мира?
Начиналось все с наскальной живописи, первобытных танцев, украшений в древнем каменном веке. Здесь все очень просто и понятно. Большинство творений связаны с ритуалами, обрядами, верованиями. Даже небольшая часть сохранившегося дает возможность прикоснуться к древности, окунуться в культуру истоков.
Последовавшее за ней искусство античности оказало огромное влияние на различные эпохи. Первыми появляются шедевры Микенской и Минойской культуры, а именно расписная керамика, возникшая еще в VI в. до н.э. Морские, флоральные мотивы росписей отображали тот мир, в котором жили мастера, мир, где человек является частью природы.
Греческая культура, пришедшая на смену Микенскому или Минойскому периоду, существовала под эгидой триады “красота-истина-благо”, была наполнена философией и мудростью. “Прекрасное” заключалось в математической гармонии, богатом содержании и истинности. Теперь искусство обратило внимание на человека. Например, все скульптуры, изображающие мифологических персонажей, богов, отныне созданы по образу человека. Прекрасным называется то, что приятно для взора и слуха. При этом художники подражают природе, пытаясь найти идеальные формы. Мастер возводит себя в статус творца. Религиозное мышление тем временем никуда не уходит и остается важным компонентом мироощущения.
Читать еще: Главный дом городской усадьбы Н.В. Игумнова
Средневековье — сакральное время в искусстве. Здесь оно выступает в качестве “визуализатора” Священного Писания. Иконопись делает Писание более доступным, так как язык живописи понятнее, нежели язык словесный. Через икону Бог соприкасается с верующими. Архитектура Средневековья также возвеличивает Бога: готические храмы стремятся к небу, монастыри и соборы романского стиля подчеркивают роль церкви в жизни человека. Важная черта искусства Средневековья — символизм. Искусство наполнено скрытыми смыслами, знаками, образами. Личность автора становится не так важна, она выступает транслятором, а икона — окном, через которое каждый может приблизиться к Богу.
Эпоха Возрождения тоже апеллирует к связи между божественным и человеческим, но отдает главную роль человеку. Отвергаются авторитеты, в том числе философские. Пробуждается интерес к науке и искусству. Художник — теперь универсальный человек, сотворец. Происходит реабилитация сферы чувственного. Искусство Возрождения просвещает темное Средневековье. Отстаивается право на художественный вымысел. Художники создают нечто совсем иное в своем творчестве: появляется перспектива, объем, многообразие красок, реабилитируется внешняя, телесная красота. Возрождение есть эпоха возвращения к античности и эпоха ее усовершенствования в эмоциональном и чувственном плане.
Эпоха Просвещения — еще более глубокое понимание античной классики. Если Возрождение — эмоциональность, то Просвещение — рациональность. Мир меняется, появляются все новые научные открытия. Но искусство остается одним из ключей к пониманию, изменению мира. В это время возникает художественная инфраструктура: первые художественные музеи нового типа — в Лондоне (1753) и Париже (1793), академии художеств и журналы об искусстве. Поднимаются проблемы вкуса, развивается художественная критика. Постулируется факт необходимого включения художника в процесс общественной жизни. «Искусство — это не просто подражание и выражение чувств, это продолжение жизни и сфера свободного самопознания духа». Подлинное произведение искусства возможно только при глубоком погружении в него. Так эпоха Просвещения торжеством разума ознаменовывает переход классического искусства к новой фазе развития.
Не-классическое искусство начинается с Прерафаэлитов (1848-1853), которые выступали против академизма и всех прежних устоев классики. Мастера использовали манеру художников Раннего Возрождения, считая, что искусство этого времени наполнено истинной красотой и лишено излишней метафоричности. К Прерафаэлитам относились как к революционному движению, но позже они все-таки были признаны. К середине XX века интерес к их творчеству снова угас.
В конце XIX века появляется новое направление в искусстве — импрессионизм, и он еще строже закрепляет переход искусства на новый этап. Термин «импрессионизм» берет за основу название картины «Впечатление. Восходящее солнце» Клода Моне. Импрессионизм характеризуется особым восприятием действительности, главная задача которого — запечатление изменчивого реального мира, передача впечатления, а не умозрительного образа. Новое направление — это идеал мимолетности, чувствования, легкости восприятия.
На полотнах Клода Моне, Ренуара, Дега и других импрессионистов зритель видит жизнь в чувственной форме, близкой к границе субъективности, но не переступающей ее. Размытость, шаткость изображения и особенности композиции побуждают фантазию создавать образы, знакомые каждому — те впечатления, которые не могут четко закрепиться в памяти, но которые дают возможность познавать мир. Кроме того, импрессионизм стремится избавить познание от дробности, позволяя взглянуть на мир в его целостности и единстве всех частей здесь и сейчас. Так импрессионизм положил начало первого периода современного искусства, а именно Modern art .
Архитектура модерна отличается новыми формами, отказом от прямых линий и углов, поиском новых нестандартных материалов (металл, стекло). На живопись и скульптуру большое влияние оказал символизм. И здесь зритель может увидеть прямую связь между современным искусством и искусством Средних веков. Кубисты, дадаисты, футуристы используют аллегорию и двусмысленность подобно тому, как иконопись использует символы и образы. Модернизм тем самым подтверждает теорию о цикличности в развитии искусства. Наиболее чувственной к повторам оказалась авангардная музыка. Современность пересмотрела свое отношение к тембру, ритму, тону.
Современное искусство стало концептуальным, произошло ослабление эстетики. Здесь зритель видит тенденцию сближения идей современного искусства с некоторыми идеями эпохи Просвещения, относительной интеллектуализации искусства.
Во второй половине XX века наступает второй период современного искусства, а именно contemporary art . Оно сформировалось как поиск альтернатив модернизму. Это выразилось в форме новых материалов, образов, изменений в способах творчества. Заметно усилилась социальная направленность в искусстве. Искусство не просто подражает миру, оно формирует другую реальность, в которой отражается мир действительный. Появляются новые жанры: перформансы, хеппенинги, лэнд-арт, digital… Искусство перестает быть прерогативой музеев и галерей. Оно выходит на улицы, внедряется в общественное пространство, разрушает преграды между идеей и сознанием человека. Современное искусство говорит со зрителем, открывает новые смыслы.
Характерные отличия современного искусства (от искусства классического):
– концептуальность, прямая связь с философией и идеологией;
– открытость субъективным смыслам, выстраивание коммуникации со зрителем путем вовлечения его в арт-процесс (акционизм, перформанс, инсталляция);
– разрушение классического позитивного представления о прекрасном, возвышенном, гармоничном; современность называет прекрасным то, что раньше было табуировано, пугало и отталкивало;
Читать еще: Слепой музыкант (18 стр.).
– интерпретация классических образов посредством отказа от классических ценностей;
– две крайности: значимость личности автора или его полная анонимность;
– вариативность образов, материалов, проблематик.
Современное искусство много принципов заимствовало из классики. Существуют разные точки зрения относительно его развития. Но так или иначе, переход от классики к современности оказался весьма значительным фактом в истории. Тот или иной поворот в развитии искусства есть результат изменений в мироощущении человека, вызванный, в свою очередь, теми или иными преобразованиями в культуре и жизни как отдельного человека, так и общества в целом.
Инвестиции в искусство. Можно ли на этом заработать?
Рынок искусства очень похож на финансовый рынок: эти отрасли имеют своих венчурных игроков, а участникам отношений необходимо выстраивать долгосрочные стратегии. Так от чего же именно зависит успех бизнеса, связанного с вложениями в арт-объекты?
Чем отличается современное искусство от классического
Инвестировать в искусство начали относительно недавно. Крупные собрания, которые смогли войти в историю как лучшие коллекции, были созданы мастерами, знающими свое дело и вкладывающими всю душу в свои творения. Лишь в конце 80-х годов прошлого века банкиры обратили внимание на искусство, как на объект капиталовложения. Тогда молодые банкиры с Уолл-стрит начали инвестировать в произведения современных художников, а эти произведения затем, в свою очередь, становились активами банков. Финансовые учреждения активно предоставляли арт-консультации, влияли на стоимость предметов искусства, так как являлись их основными покупателями. Однако уже в 1991 году все эти схемы рассыпались.
К концу 1990-х годов рынок искусства приобрел совершенно иной вид: аукционные дома теперь вышли на первичный рынок и начали продавать произведения искусства. В это время многие галеристы совмещали искусство с маркетингом (например, галереи Гагосяна и Saatchi). Такие деятели сначала подогревали интерес к современным художникам, а затем продавали их творения по завышенным ценам. Особенно много картин начало продаваться в преддверии кризиса 2008 года. Однако популярность произведений современных художников в это время обусловливалась не только активным промоутированем деятелей искусства, но и была следствием необходимости материализации денежных сбережений.
Следующая активизация развития современного искусства началась после того, как перестали ощущаться кризисные явления. Так, в 2013 году майские торги в Нью-Йорке принесли совокупный доход в $1 млрд., а в 2014 — $1,2 млрд. Теперь стоимость работ современных художников нередко превышает стоимость произведений классиков с мировым именем. Но все же каждые следующие торги вызывают некоторое напряжение среди организаторов, ведь всегда остается риск, что коллекционеры откажутся покупать какого-то художника и вся схема рухнет.
Деятельность спекулянтов не дает возможности объективно оценить современное искусство. Но, несмотря на то, что ценности у него нет, это искусство уже имеет огромный объем произведений и свою цену. Современное искусство не покупается ценителями ради красоты, а живет по правилам рыночной экономики, поэтому чаще приобретается с целью дальнейшей перепродажи.
Галереи диктуют цены, устанавливают моду на конкретных художников и стиль. Только от моды и имени художника зависит стоимость той или иной картины, а значит, и доходность таких вложений. Как бы ни был гениален современный художник, он не имеет никакого шанса продать свои картины выгодно, если будет выставляться в совершенно неизвестной галерее, вещи Джеффа Кунса все равно будут стоить дороже и продаваться быстрее. И наоборот, если выставка будет организована в стенах галереи Ларри Гагосян, покупатель охотней расстанется с действительно большими деньгами, ведь покупка совершается в известном заведении. Покупать Кунса более безопасно — он уже успел стать «брендом», а значит, его творения в ближайшее время не потеряют своей актуальности, их можно будет перепродать. Поэтому если вы хотите подзаработать на искусстве, то имея правильную тактику, уже спустя 2-3 года вы можете получить 15-20% от вложенных средств. Но это только при условии, что работать вы будете только с современным искусством.
В инвестировании в искусство, как и в любом другом капиталовложении, существуют свои риски. Так, в 20 — 30-е годы прошлого столетия был чрезвычайно популярен художник Хосе Мария Серт. С Хосе дружила сама Коко Шанель, а заказы ему поступали от богатейших владельцев зданий в Европе. Стоимость работы художника-декоратора была на уровне великого Пикассо. Но, как видим, сегодня Серт и Пикассо не стоит даже сравнивать. Вот и Кунс через пару десятков лет может обесцениться. Конечно, стоимость его произведений не станет нулевой, ведь в этого художника вложено немало денег. Искусство, в отличие от акций, не может обесцениться до нуля, это и есть огромный плюс инвестирования в искусство.
Классика, как объект инвестирования
Классических произведений в свободной продаже имеется значительно меньше, чем картин современных художников. А со временем предложение еще больше уменьшается. Но и быстро заработать на великих творениях вряд ли удастся. Купив сегодня Рембрандта за $45 миллионов, вряд ли получится его продать через год вдвое дороже. Рембрандта желают купить немногие, как правило, это люди, которые имеют определенное образование и вкус, они знают истинную ценность конкретного произведения и не собираются ее в скором времени продавать, тем более с целью обогащения. Рембрандт и другие классики с мировыми именами — это долгосрочная, очень надежная инвестиция.
Читать еще: Места на первом этаже в театре. Партер театральный
Чаще всего коллекционеры, скупающие старое искусство, не воспринимают его как капиталовложение. Как часто можно услышать о богатых коллекционерах и приобретении ими за десятки миллионов долларов произведений искусства, но на самом деле всего таких людей насчитывается около 50 во всем мире.
Лучшая коллекция — коллекция, собранная не инвестором, а человеком со знаниями и вкусом
Профессор из Голландии ван Регтерен Альтен раньше был хранителем графической коллекции Рейксмузеума. Он собирал только лучшие произведения, каждый новый объект проходил строжайший отбор. Профессор стал владельцем более 800 картин, которые вышли из-под пера на протяжении XVI — ХIХ веков, при этом, совершенно не задумываясь о стоимости рисунков спустя какое-то время.
Всем известно, что подобные коллекционеры редко продают свои собрания, поэтому с молотка они уходят зачастую лишь после смерти владельца. Так, например, коллекционер из Франции Рене Герра начал собирать коллекцию (графику, живопись, дневниковые записи, книги и другие вещи), принадлежащие когда-либо русским эмигрантам, еще в то время, когда такие предметы не стоили ничего. Но уже сейчас его коллекция оценивается в миллиард евро, и периодически находятся желающие приобрести все собрание целиком. Но Рене Герра отказывается продавать, ведь коллекция — это частичка его жизни.
Стоимость предмета классического искусства определяется, в первую очередь, его провенансом: когда именно художник создал данное творение, в каких местах в свое время выставлялась и кто его бывшие владельцы. Иногда произведения одного и того же мастера могут оцениваться совершенно по-разному.
То, что картина подписана Пикассо, еще не говорит о ее высокой цене
Цена любого шедевра состоит из многих факторов, например, история создания и существования картины влияет на ее стоимость не меньше, чем имя творца. Недавно произошел довольно таки интересный случай. Провинциальная семья пенсионеров из Франции продавала жилье, чтобы переехать в дом престарелых. У них было несколько старинных кресел, которые семейная пара решила показать специалисту из аукционной фирмы. Помимо кресел эксперт заинтересовался тумбочкой под телевизором. Каково же было его удивление, когда в «тумбочке» он узнал не что иное, как сундук Мазарини, который на долгое время был потерян из вида ценителями старины. Кардинал Мазарини был крупным коллекционером, он собирал интереснейшие произведения из японского лака. В те времена Япония была закрытой страной, поэтому такие предметы были очень редкими и дорогими. На этот раз сундук был продан Рейксмузеуму за €7,3 млн.
Как формируется спрос на предметы искусства
Галеристы бывают разные: одни, как музейщики, собирают лучшие произведения, другие — ищут то, что можно будет завтра выгодно продать. Последние во время кризиса могут вообще приостанавливать продажи, чтобы не пришлось продавать картины ниже цены покупки.
В начале 90-х прошлого столетия галеристы решили простимулировать спрос на предметы искусства 40 — 50 годов. Издавались тематические книги, велась активная реклама, вследствие чего начались активные продажи. Однако как только их пыл немного поутих, рынок сразу же рухнул. Благодаря усилиям некоторых галеристов удалось создать за рекордно короткое время рынок комиксов. Первый выпуск комикса «Супермен» удалось продать за $3,2 миллиона, а обложка первого «Тинтин в Америке» ушла за €1,3 миллиона.
Долгое время графика воспринималась как некий дешевый аналог настоящей живописи. Но в 1970-х Sotheby’s и Christie’s начали ее продавать в Нью-Йорке. В Европе был основан Салон рисунка, который регулярно собирает в одном месте ценителей данного направления. Эти усилия галеристов не проходят даром, уже в 2012 году рисунок «Голова апостола», нарисованный Рафаэлем, ушел с молотка за $48 млн.
Чтобы заработать на коллекционировании, нужно угадывать моду
Моду могут задавать только значимые и известные люди. Именно благодаря моде в свое время был сформирован рынок ар-деко. Это поколение было популярно еще в 20 — 30 годы XX столетия, однако с началом войны эта популярность постепенно сошла на нет. И вот спустя десятилетия, в 1960-х ар-деко заинтересовал Энди Уорхола, а затем это направление понравилось Карлу Лагерфельду и Ив Сен-Лорану. В результате музеи занялись организацией экспозиций в стиле ар-деко и до сегодняшних дней некоторые предметы продаются на аукционах за огромные деньги.
Но все же искусство – это, прежде всего, удовольствие, красота и только потом — деньги. Тем, кто хочет на этом заработать, лучше запастись терпением, большими знаниями и не надеяться на быстрый результат.
Источники:
http://www.winstein.org/publ/20-1-0-2804
http://mostmag.ru/art/iskusstvo-2/
http://www.exocur.ru/investitsii-v-iskusstvo-mozhno-li-na-etom-zarabotat/
